Alberto Fortis: “L’arte è un’arma potentissima per risvegliare la bellezza della vita” – INTERVISTA

A tu per tu con Alberto Fortis per parlare del suo nuovo disco “Sentimental City”, disponibile da venerdì 23 ottobre 2026 per Azzurra Music. Ecco la nostra intervista

A dodici anni dal precedente album di inediti “Do l’anima”, Alberto Fortis torna con “Sentimental City“, un progetto che nasce dalla volontà di ricostruire, almeno idealmente, una città del sentimento in cui immaginare un diverso equilibrio sociale e umano. Un disco che intreccia generazioni, sensibilità e luoghi, coinvolgendo produttori e musicisti di diverse città italiane, da Milano a Napoli, passando per Torino, Roma e Pescara. Ma soprattutto, un lavoro che riporta al centro della riflessione il valore dell’arte, la responsabilità individuale e collettiva e la necessità di non arrendersi alla passività.

Dal consumismo alle contraddizioni della società contemporanea, dai sentimenti incompiuti alle opportunità e ai rischi dell’intelligenza artificiale, fino al rapporto con il Festival di Sanremo e ai consigli per le nuove generazioni, Alberto Fortis ripercorre le ragioni profonde della propria musica, senza rinunciare a uno sguardo critico sul presente. Con una convinzione che attraversa tutta la conversazione: l’immaginazione non ha età e può ancora aiutarci a cambiare le cose.

Alberto Fortis presenta il disco “Sentimental City”, l’intervista

“Sentimental City” arriva a dodici anni da “Do l’anima”. In questo intervallo come è cambiato il tuo modo di osservare il mondo e trasformarlo in canzoni? E cosa è rimasto immutato?

«Dal punto di vista della produzione artistica, in realtà, non c’è stata un’interruzione. Ci sono state pubblicazioni di singoli e l’attività live, quindi siamo sempre rimasti in movimento. È cambiato molto, anche se le linee principali della mia scrittura sono rimaste quelle degli inizi. Naturalmente si cambia parallelamente al mondo e alle trasformazioni che attraversano l’arte e, in particolare, la musica. La caratteristica di “Sentimental City” è stata la volontà di adottare un approccio produttivo diverso dal solito. Ho scelto una pluriproduzione, frutto di ciò che ho maturato negli anni e delle esperienze fatte lavorando su singoli e piattaforme differenti. Il disco coinvolge cinque città: Milano, Torino, Roma, Pescara e Napoli. Ho voluto creare una commistione anche generazionale. Penso, per esempio, alle due canzoni realizzate a Napoli, “Ricordati di me” ed “E non ti ho avuta mai”, prodotte con Gianni Stocco, primo contrabbassista dell’Orchestra del San Carlo, e suo figlio Luca, produttore di Samurai Jay. Luca è cresciuto ascoltando i Beatles, la musica delle band, il rock, ma anche l’opera e la musica classica. È proprio da questi incontri che nasce una parte importante dell’identità del disco».

Il titolo “Sentimental City” richiama l’idea di una città del sentimento. È una fotografia, magari un po’ ritoccata, del mondo contemporaneo oppure il tentativo di immaginare una società diversa?

«Senz’altro la seconda ipotesi. È il tentativo di immaginare un equilibrio sociale e umanitario diverso. Viviamo in uno scenario internazionale sorprendente e inaccettabile, segnato anche dalla realtà delle guerre. Credo che il sentimento possa contribuire a risollevare le condizioni in cui viviamo, e non soltanto in una dimensione romantica. L’intenzione è ricostruire la città del sentimento, rifarla e, come dico sempre, andarci a vivere insieme. Mi auguro che, prima o poi, questo castello oscuro che ci siamo costruiti intorno crolli. Siamo troppo dipendenti da meccanismi economici e politici che spesso hanno qualcosa di disumano. Eppure, ai concerti, quando affrontiamo determinati argomenti, si sente un applauso liberatorio. Succede in ogni parte d’Italia. È come se le persone aspettassero l’occasione per manifestare un desiderio comune di cambiamento. “Sentimental City” vuole essere proprio questo: un luogo e, allo stesso tempo, un non-luogo, che prende forma anche nel concerto e nell’incontro dal vivo. L’arte, e la musica in particolare, è un’arma potentissima per risvegliare la bellezza della vita e della nostra quotidianità».

Tra i temi del disco c’è anche la critica alla società contemporanea. Qual è l’atteggiamento di quest’epoca che ti dà più fastidio, quello che proprio non riesci a digerire?

«È il meccanismo che porta alla demotivazione. Un meccanismo subdolo, che svuota i contenuti valoriali più profondi, quelli primordiali e più belli, quelli che danno senso alla vita. Ci distrae, ci somministra veleni che sembrano profumi meravigliosi e finisce per assopire le coscienze. Non è una novità assoluta: ogni epoca ha conosciuto forme di elaborazione del consenso che, alla fine, si trasformano in sottomissione. Quello che mi infastidisce maggiormente è la reazione di faziosità e passività che ne deriva. Non possiamo attribuire ogni responsabilità a chi occupa le stanze dei bottoni. Dobbiamo guardare anche al collettivo, alla possibilità di costruire un contrappeso fatto di persone che desiderano davvero voltare pagina. Ai concerti dico spesso che dobbiamo sentire la responsabilità, ma anche la gioia, di renderci conto che siamo probabilmente gli autori e i fautori della nostra quotidianità e, soprattutto, del nostro futuro più prossimo. Non è un concetto astratto: la società è fatta di persone, è fatta da noi. Abbiamo la responsabilità di consegnare qualcosa di decente alle generazioni future».

Quale ruolo può avere oggi un artista in questo scenario? Rispetto agli anni Settanta, pensi che sia cambiata la funzione sociale della musica?

«Per me l’arte deve confrontarsi con la realtà, con il presente e con la quotidianità, ma deve anche offrire uno spiraglio verso il futuro. Deve suggerire una visione, aiutare a comprendere ciò che accade, analizzare le situazioni e, quando possibile, prevenire quelle peggiori. Non può limitarsi a fotografare il mondo: deve anche consentirci di immaginarne uno diverso. Il sentimento, in questo senso, è una colonna fondamentale della vita. E non va interpretato esclusivamente in chiave romantica o poetica. Fare le cose con sentimento significa farle con dignità, professionalità, rispetto di sé e degli altri. Può sembrare un’idea ingenua, ma credo che sia proprio qui che risieda il senso della vita. Ho rivisto recentemente un’intervista a John Lennon del 1980, pochi mesi prima della sua morte. Parlando della politica internazionale, disse: “We are in the hands of insane people”, siamo nelle mani di persone folli. A distanza di tanti anni, quella considerazione conserva una sconcertante attualità. L’artista non può risolvere tutto, ma può contribuire a risvegliare le coscienze, creare occasioni di incontro e mettere in circolazione pensieri capaci di aggregare. La musica può diventare un luogo in cui le persone si riconoscono e scoprono di condividere un desiderio di cambiamento. È una responsabilità che sento profondamente».

“E non ti ho avuta mai” affronta il paradosso di una presenza che continua ad abitare dentro di noi, pur non essendo mai stata davvero vissuta o posseduta. I sentimenti più persistenti sono quelli vissuti pienamente oppure quelli rimasti incompiuti?

«È una domanda molto bella, perché mi fa pensare al sogno nel cassetto. Quando c’è qualcosa che non hai realizzato, finisci quasi per adottarlo come un figlio e ad alimentarlo ancora di più. Ciò che rimane incompiuto può continuare a esercitare un fascino particolare proprio perché non ha trovato una conclusione. La mia scrittura si è sempre basata su testi che offrono una lettura immediata, ma lasciano anche spazio al protagonismo di chi ascolta. Io interpreto un determinato sentimento per quello che sto raccontando, ma cerco sempre di proiettarlo su qualcosa di più grande. Anche quando parlo d’amore, parto magari da una storia sentimentale, ma non mi fermo necessariamente a quella. “E non ti ho avuta mai” può raccontare un compagno o una compagna che non abbiamo mai avuto davvero nella vita. Oppure può riferirsi a una relazione nella quale non siamo stati all’altezza, a qualcosa che avremmo voluto realizzare e non siamo riusciti a fare. Chi lo sa? Potrebbe essere anche questo. L’amore è una delle colonne della nostra esistenza, così come l’amicizia. La vita, come dice un grande saggio, è fatta di un susseguirsi e di un’alternanza di opposti: amore e odio, giorno e notte. Un opposto permette all’altro di esistere. La bellezza non consiste nella scelta assoluta di una parte, ma nella capacità di armonizzare queste differenze. Credo che anche questa canzone inviti a riflettere proprio su questo. La musica e il testo accompagnano l’ascoltatore verso una risoluzione, ma senza chiudere completamente il significato. Ognuno può riconoscervi qualcosa di proprio».

Hai sempre dimostrato grande libertà nel mescolare linguaggi e riferimenti culturali. In un momento in cui si discute molto di intelligenza artificiale, quanto conta ancora per te non essere prevedibile?

«Per me è fondamentale, soprattutto quando si entra nella sfera dell’arte. L’arte è metamorfosi, è un magma che deve confrontarsi con la realtà e con il presente, ma deve anche offrire una possibilità di visione e di cambiamento. Il sentimento, per come lo intendo io, non è soltanto una questione romantica. Fare qualcosa con sentimento significa farlo con dignità, professionalità e rispetto. È un atteggiamento che riguarda il modo in cui ci rapportiamo agli altri e al mondo. Anche l’intelligenza artificiale mi affascina. Ho ascoltato, tra gli altri, le riflessioni di padre Paolo Benanti, che ha approfondito le diverse applicazioni di questa tecnologia: da quelle economiche a quelle legate all’egemonia territoriale, fino a una terza possibilità, legata alla ricerca scientifica, alla cultura e all’aggregazione intorno a pensieri positivi. Quest’ultima è una prospettiva umanistica, che considero fondamentale. Credo che il guizzo della mente umana, anche nella creatività, continuerà a fare la differenza. L’originalità, persino nella sua imperfezione, può avere un fascino maggiore di qualcosa di tecnicamente impeccabile».

In passato avevi scelto di non partecipare al Festival di Sanremo. Oggi la manifestazione è diventata una vetrina centrale per la musica italiana. Come la guardi e hai lasciato fuori da “Sentimental City” un brano che potresti presentare alla prossima edizione?

«Il mio rapporto con Sanremo ha attraversato diverse fasi. Ricordo con piacere un periodo in cui il Festival proponeva abbinamenti straordinari, come quello tra Lucio Battisti e Wilson Pickett. Mi piacerebbe che tornasse una formula del genere tra artisti italiani e internazionali, anche per favorire l’esportabilità della nostra musica. Immaginare alcune nostre canzoni in inglese, in spagnolo o in altre lingue potrebbe contribuire a valorizzare ulteriormente il nostro patrimonio musicale. Poi Sanremo ha attraversato una fase in cui sembrava prevalere un’idea più circoscritta di canzone, mentre per chi era agli inizi della carriera c’erano anche altre vetrine importanti, come il Festivalbar, con l’iconica finale all’Arena di Verona e una dimensione forse più vicina al mondo rock. Successivamente Sanremo è tornato al centro della scena, assumendo un peso enorme. Oggi, con la scomparsa di altre manifestazioni che in passato offrivano occasioni di visibilità, è rimasto il principale appuntamento televisivo per la musica italiana. Per questo partecipare è diventato particolarmente difficile, ma mi piacerebbe molto riuscirci: sarebbe un tassello che ancora manca alla mia carriera. Sanremo è una cassa di risonanza importante sia per chi ti ha sempre seguito, che può ritrovarti su quel palco, sia per chi magari ti ha perso per strada o non ti ha mai conosciuto. Quanto al prossimo Festival, posso dire che un brano da prendere in considerazione ci sarebbe. So bene che sarebbe una possibilità su un milione, ma una brezza di tentativo si potrebbe anche fare. Il palco dell’Ariston l’ho calcato con i miei concerti, ma mai in occasione del Festival. Sarebbe bello poter vivere anche quell’esperienza».

Hai definito la musica “la più bella delle religioni, perché non fa né minacce né promesse”. Che cosa consiglieresti ai giovani che si avvicinano a questa forma d’arte attratti soprattutto dal successo e dal denaro?

«Innanzitutto, non credo che la colpa sia delle nuove generazioni. Se alcuni ragazzi si concentrano su aspetti destinati a non durare nel tempo, la responsabilità è anche di un sistema che premia determinate cose. La grande distinzione è tra essere e apparire. Ai giovani che mi chiedono un consiglio indico due comandamenti. Il primo è cercare di capire, attraverso un percorso di introspezione, se fare musica e arte sia davvero ciò che sentono. Non è un cammino facile e bisogna essere onesti con se stessi, andando oltre il richiamo del successo immediato. Se è davvero la tua strada, devi riconoscerlo dentro di te. Il secondo è non preoccuparsi delle porte sbattute in faccia. La storia della musica è piena di artisti che hanno lasciato segni straordinari pur avendo incontrato grandi difficoltà all’inizio. Penso ai Beatles, a Sting e ai Police, ad Alanis Morissette e a tanti altri. A volte non vieni capito subito perché non sei immediatamente codificabile, perché c’è qualcosa di diverso in quello che fai. Ma se quel qualcosa è autentico e ha valore, è proprio ciò che può rimanere nel tempo. E vorrei concludere con una parola che riassume tutto il nostro discorso: immaginazione. È un’arma potentissima per sollevare le cose, per cambiare prospettiva e immaginare un mondo diverso. Non appartiene a una determinata età, a una professione o a una condizione sociale. Tutti abbiamo la possibilità di immaginare, di sovvertire ciò che sembra immutabile e di diventare protagonisti del cambiamento positivo del nostro presente e del nostro futuro. È una responsabilità che abbiamo nei confronti delle generazioni che verranno».