DoReMiCiak, al centro del tema musicale di “Frozen II”

Quando la musica incontra il grande schermo: alla scoperta delle colonne sonore che hanno fatto la storia del cinema. A cura di Beatrice Castoldi

Le colonne sonore non accompagnano semplicemente un film: lo raccontano, lo amplificano, lo rendono eterno. In ogni scena, c’è una nota che vibra, un tema che ritorna, una melodia che parla più delle parole. “DoReMiCiak” è la rubrica che unisce due mondi solo all’apparenza distinti: quello della musica e quello del cinema. Un incontro tra partiture e pellicole che ha fatto la storia della settima arte.

Ogni settimana, Beatrice Castoldi ci conduce dietro le quinte dei grandi capolavori sonori del cinema, tra aneddoti, recensioni e riscoperta di musiche indimenticabili. Il titolo “DoReMiCiak” si ispira alla celebre rubrica di Vincenzo Mollica, e vuole esserne in quale modo un omaggio. Perché a volte basta una sola nota per riaccendere un ricordo, una scena, un’emozione.

Al centro del tema musicale di “Frozen II”

Dopo il successo planetario di Frozen – Il regno di ghiaccio, Disney si è trovata di fronte a una sfida non banale: tornare ad Arendelle senza limitarsi a replicarne la formula. Frozen II – Il segreto di Arendelle nasce proprio da questa esigenza, e lo fa scegliendo una strada precisa, che faccia crescere la storia insieme al suo linguaggio musicale. Se nel primo film le canzoni erano il motore emotivo e narrativo principale, nel sequel la musica diventa un tessuto più complesso, in cui brani cantati e partitura strumentale dialogano costantemente, si richiamano, si trasformano.

Il risultato è una colonna sonora che guarda meno al momento “canzone pop standalone” e più a un percorso unitario, in cui temi, motivi e timbri costruiscono un senso di continuità e di memoria. Frozen II non abbandona l’immediatezza melodica che aveva contraddistinto il primo film, ma la inserisce in un contesto più sfumato e maturo, dove la musica non racconta solo ciò che i personaggi provano, ma anche ciò che non sanno ancora di essere.

Il primo vero punto di contatto musicale è “All Is Found”, la ninna nanna che apre il film. Cantata da Iduna, la madre di Elsa e Anna, la canzone svolge una funzione precisa: non introduce solo una melodia, ma un mito, una memoria collettiva che attraverserà l’intero racconto. Fin dalle prime battute, è chiaro che non ci troviamo di fronte a una semplice canzone d’apertura, ma a un tema fondativo, destinato a ritornare sotto forme diverse. “All Is Found” si colloca in una zona di confine tra canzone e accompagnamento musicale. La melodia è semplice, circolare, costruita su un andamento modale che richiama il folklore nordico e le ballate tradizionali scandinave. L’uso di intervalli contenuti e il ritmo cullante rafforzano l’idea della ninna nanna, ma al tempo stesso creano una sensazione di sospensione, come se la musica non fosse completamente “a terra”. Questa ambiguità è centrale: la canzone parla di verità sepolte, di un fiume che “contiene tutte le risposte”, ma avverte anche del pericolo di spingersi troppo oltre.

L’orchestrazione è volutamente essenziale: archi soffusi, timbri morbidi, un uso misurato del registro grave che conferisce profondità senza appesantire. La voce è posta in primo piano, quasi isolata, come se stesse arrivando da un tempo remoto. In questo modo, “All Is Found” si comporta come un richiamo ancestrale, un motivo che appartiene al passato e al futuro allo stesso tempo. Non è un caso che questa melodia diventi il nucleo tematico di Frozen II. Il suo materiale musicale verrà ripreso, frammentato e trasformato nello score strumentale e in altri brani della pellicola, accompagnando Elsa nel suo percorso di scoperta. Se nel primo film la musica serviva soprattutto a esprimere emozioni immediate, qui diventa uno strumento di memoria e di destino: ciò che viene cantato all’inizio è già la chiave di tutto ciò che verrà dopo.

La ninna nanna cantata da Iduna non fornisce risposte, ma pianta un seme: parla di una voce, di un richiamo, di una verità che attende di essere trovata. Ed è proprio una voce quella che sente solo Elsa all’inizio del film e che la spinge a intraprendere un viaggio di scoperta del passato di Arendelle. In “Into the Unknown”, quella voce non è più astratta. È reale, insistente, impossibile da ignorare, e prende forma proprio nel linguaggio musicale. Dal punto di vista narrativo, “Into the Unknown” rappresenta una svolta rispetto a “Let It Go”. Se nel primo film Elsa cantava per affermare sé stessa e liberarsi da ciò che la opprimeva, qui canta perché qualcosa la chiama fuori da ciò che crede di conoscere. Non è più una fuga, ma una tensione verso l’ignoto. E questa tensione è già inscritta nella melodia di “All Is Found”, che ora viene rielaborata, amplificata e messa in conflitto con Elsa stessa.

Dal punto di vista musicale, il legame tra i due brani è sottile ma evidente. Il motivo del richiamo (senza parole, quasi extra-diegetica, affidato alla voce eterea della cantautrice norvegese Aurora) sembra emergere dallo stesso mondo sonoro evocato nella ninna nanna iniziale. È come se “All Is Found” avesse aperto una porta e “Into the Unknown” fosse il momento in cui Elsa decide se attraversarla oppure no. La struttura del brano riflette questo conflitto: le strofe sono trattenute, quasi dialogate, mentre il ritornello esplode in un salto melodico che traduce musicalmente il rischio, la paura e l’attrazione dell’ignoto. In questo senso, “Into the Unknown” non è soltanto una canzone solista, ma il cuore tematico di Frozen II. Dove “All Is Found” suggeriva che tutte le risposte esistono già, “Into the Unknown” afferma che trovarle ha un prezzo: abbandonare la sicurezza, mettere in discussione il proprio ruolo e accettare che la propria identità sia ancora incompleta. 

Il viaggio interiore di Elsa trova finalmente una forma musicale compiuta in “Show Yourself”. La canzone non è solo un brano indipendente, ma un vero e proprio riassunto tematico: richiama motivi e armonie già introdotti in “All Is Found” e “Into the Unknown”, intrecciando tutti gli elementi precedenti in un unico, potente climax emotivo.

Si apre con una tessitura delicata e sospesa, quasi eterea, che richiama “All Is Found”. Gli archi, le percussioni leggere e i cori creano un tappeto sonoro che dà l’impressione di un paesaggio magico e vasto, in cui Elsa si muove verso la scoperta di sé stessa. La melodia iniziale è intima, quasi sussurrata, come se Elsa parlasse a sé stessa, confermando il suo percorso di introspezione iniziato con “Into the Unknown”. Quando il brano entra nel suo ritornello principale, la melodia si apre in ampi intervalli ascendenti, simili agli slanci di “Into the Unknown”, ma questa volta con un senso di rassicurazione e liberazione. Gli acuti non trasmettono più tensione e timore, ma scoperta e accettazione: Elsa non fugge dall’ignoto, lo abbraccia. Qui la scrittura vocale e orchestrale lavora insieme per dare una sensazione di pienezza e completezza, come se tutti i frammenti musicali del film si ricomponessero in un unico mosaico armonico. Non a caso la melodia che chiamava Elsa in “Into the Unknown” adesso viene cantata dalla stessa protagonista, a sottolineare l’accettazione del suo passato.

L’orchestrazione gioca un ruolo fondamentale: archi e legni si intrecciano con timbri luminosi di ottoni e percussioni scintillanti, mentre i cori ampliano lo spazio sonoro, dando alla scena una dimensione quasi mistica. Le armonie si fanno più ricche e luminose, con modulazioni verso tonalità maggiori che riflettono il trionfo personale di Elsa. Ogni nota sembra costruita per far coincidere la scoperta della propria identità con un senso di meraviglia e stupore. 

Dal punto di vista narrativo, “Show Yourself” funziona come epilogo musicale dei temi precedenti: richiami melodici di “All Is Found” sottolineano le radici di Elsa e la connessione con la madre, mentre frammenti di “Into the Unknown” evidenziano il percorso di coraggio e scoperta. Il brano, in questo senso, diventa un momento di catarsi, dove musica e storia si fondono per esprimere il completamento del viaggio emotivo del personaggio; rappresenta la sintesi musicale di tutto ciò che il film ha costruito fino a quel momento: introspezione, coraggio, scoperta di sé e armonia con il mondo naturale e magico che la circonda. È una chiusura che premia musicalmente e narrativamente l’ascoltatore, trasformando ogni leitmotiv precedente in un’unica, splendida dichiarazione di identità.

In Frozen II, la musica non è semplice accompagnamento delle immagini, ma un vero e proprio filo narrativo. Ogni canzone guida lo spettatore attraverso le emozioni e le scoperte dei personaggi, amplificando le sfumature della storia e rendendo palpabile il viaggio interiore di Elsa. La colonna sonora diventa così uno strumento essenziale del racconto, capace di farci sentire ogni passo, ogni scelta e ogni rivelazione insieme ai protagonisti.